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THE PHANTOM OF THE OPERA
Majestic Theatre. 247 West 44th Street. New York. 26/07/08.

Antes de nada debo aclarar que no me considero un aficionado al teatro. De hecho, y en un principio, no pensé que me atrajera la idea de asistir a una obra del "famoso y venerado" Broadway, tan alabado por todos los entendidos. Y cuando acudí a comprar entradas me decidí por el aclamado Fantasma de la Ópera, antes de presenciar uno de esos musicales blandengues. A priori mis prejuicios no me dejaban pensar con claridad, caso típico. Qué decir de una obra que ha sido compartida por varias generaciones, ha sido representada durante 20 años, influyendo a toda clase de artistas, dando pie a versiones de su principal melodía, y formando parte del legado cultural contemporáneo en la actualidad.

Mi nivel de inglés fue suficiente para poder seguir el hilo de la obra, aunque no fuese del todo necesario, tratándose de un musical en toda regla. Para poder describir toda y cada una de las sensaciones que me transmitió aquella noche comenzaré por describir el teatro Majestic. Una verdadera joya que rebosa ese aire lóbrego , de lujo y sobriedad, que nos hace sentir ese halo, esa atmosfera ténebre y auténtica, que te transporta automáticamente a otra época.

Nada más tomar asiento me doy cuenta de que mi butaca y la de mi acompañante son perfectas para presenciar la representación. A tenor del precio de cada entrada, ( 111$), puedo entender que vale la pena tener cierta proximidad al escenario. Cuando comienza el espectáculo, percibo una melodía familiar. Realmente el tema central del Fantasma de la Opera, música original de Andrew LLoyd Weber, es un temazo que no deja a nadie indiferente, y que penetra en tu interior con fuerza. La mezcla con toques modernos me deja perplejo, cuando de repente me doy cuenta ( yo ignorante) de que debajo del escenario tenemos a una orquesta completa que está interpretando cada movimiento. Mi primera impresión es de admiración total, suena con una acústica impresionante, y de pronto todo el público guarda silencio nada más abrir el telón.

Esta vez nos dedicamos a dar un repaso a los instrumentos olvidados y desconocidos por gran parte de nosotros.Un servidor, dando un repaso a su discografia, se dio cuenta de que habia algo en esas grabaciones que sonaba particularmente interesante, distinto. La base del sonido parecia de un sintetizador, pero comprobando fechas, no me cuadraba que un moderno teclado andase en los años 60. Puestos a investigar entre los libretos de los cds, paginas web y demas lugares de información, di con un instrumento que se me hacia realmente extraño, y efectivamente era la fuente de la discordia entre mis pensamientos. Según wikipedia se trataba de un mellotron: El melotrón (mellotron) es un instrumento musical electro-mecánico polifónico que apareció a mediados de los años 1960, en Birmingham. Se trataba de un teclado capaz de reproducir en tres canales cintas pregrabadas accionadas con ambas manos: con la izquierda se podían seleccionar 18 ritmos diferentes y con la derecha otros tantos instrumentos (Mellotron MKII). Exteriormente no se diferenciaba demasiado de un piano convencional, y al principio se encajaban en una elegante caja de madera.El melotrón fue uno de los primeros teclados eléctricos y puede considerarse como el antecedente directo del sampler, pues utiliza loops de cinta para crear sonidos. El melotrón permite reproducir muestras (samples) de sonido pre-grabado en una cinta. Cada tecla está asociada a una cinta magnética de casi 1 cm de ancho que tiene una duración aproximada de 8 segundos. El músico, al presionar una tecla, hace circular su cinta correspondiente que recorre un ingenioso sistema en forma de W, y reproduce el sonido pregrabado que contiene (instrumentos de cuerda, orquestales, coro polifónico, flautas, etc. Aunque podían agregárseles nuevos sonidos).Pesea a de las limitaciones de duración en las muestras, bucles o loops (8 segundos), el sonido del melotrón inconfundible, un tanto imperfecto y artificial, propició su uso extensivo en los conciertos y grabaciones de rock progresivo sinfónico en los años 1970, y ni siquiera el más versátil y compacto sintetizador logró hacerlo desaparecer aunque quedó en un segundo lugar a partir de la aparición de teclados electrónicos, a mediados de los 70s.Las únicas desventajas del melotrón eran: La incapacidad del mismo para grabar los sonidos, por lo que las cintas debían ser grabadas previamente utilizando otro mecanismo que poseían los fabricantes (Sonidos a pedido) y que cada vez que se lo transportaba de un lugar a otro, había que calibrarlo por lo que se necesitaba de una persona con conocimiento en el aparato.

ENTREVISTA A THOMAS CANET

Este fin de semana tuve la oportunidad de entrevistar a un profesional y amigo, Thomas Canet, el nuevo valor de la fotografía del rock en Madrid, al calor de una cena en casa, con Lou Reed, Hellacopters, Camel como música de fondo...

- Cuéntanos algo de ti para presentarte a los lectores del portal.

Hago fotos (risas). Estoy un poco especializado en fotografía musical y particularmente en retratos. Trabajo con discográficas (fotografía de promoción, portadas de discos), y en diferentes medios musicales como Rolling Stone, casi siempre orientado hacia el retrato. El sujeto y yo nos reunimos para conseguir una foto y ambos lo sabemos. No se trata de fotografía de directo, es algo diferente.

- Cual fue tu primer retrato rockero?

Sin duda, el de una de las personalidades más emblemáticas y que mejor representan ese espíritu, Alberto García-Alix. Su fotografía urbana y su temática principal (motos, música) evocan un estilo de vida salvaje.

– Cual fue tu sesión de trabajo más intensa y porqué?

Es una pregunta complicada… Tengo muy marcada la sesión con Ana Curra, teclista y vocalista mítica de la movida, una vida muy al límite. La sesión se desarrolló con muy pocas palabras. Apenas hubo preparación, pero fue un encuentro absoluto. Ella posó de forma muy sencilla y tras pulsar el disparador, ambos nos miramos y supimos que ésa era la foto.

– A qué guitarristas has fotografiado?

Ariel Rot, Jaime Urrutia, Enrique Sierra, Fito Cabrales, Carlos Raya, Mario Raya, Sabino Méndez, Francisco Simón, Ramón Arroyo… a ti… (Risas)

- Qué me dices de tu guitarra?

Hola amigos,

podemos decir que hoy es un día triste para las comunicaciones y para todo el mundo Internet en general. Al parecer, en algunos medios especializados ha saltado la noticia de que la Unión acaba de aprobar las enmiendas a la Directiva Europea de Telecomunicaciones, con lo cual, terminarán las descargas de películas, música y software en general. Todas esas actitudes serán consideradas ilegales dentro de muy poco. De hecho, parece ser que cualquier funcionario, cualificado o no, podrá espiar las direcciones IP en busca de supuestas ilegalidades.

Es un día negro para la libertad y las comunicaciones. El producto apetecido estará ahí, tan diponible como siempre, PERO NO sabremos si detrás está el Gran Hermano vigilando y tomando nota de quienes lo descargan o no. Con esa nueva directiva, lo primero que va a surgir es una de las peores formas de censura: La auto-censura (Muy de moda en las Dictaduras) motivada por el temor a ser descubierto. 

Despues vendrán los juicios, las demandas multimillonarias y ejemplarizantes como la de esa pobre madre soltera norteamericana que por el grave delito de descargar la música de un solo CD, ha sido condenada, hace poco, a pagar como indemnización, la mitad de su sueldo durante el resto de su vida.

Probablemente hablar de Voivod hoy en día nos da un poco de nostalgia, sobre todo desde que su intrépido guitarrista, Piggy, nos dejara hace ya un tiempo. Nothingface es la obra maestra de esta banda canadiense, cuyo álbum publicado en 1.989 nos trae una versión de Astronomy Domine que hace actual el recuerdo de Syd Barret. Su influencia, y a la postre la de Pink Floyd, se encuentra latente en su obra en forma de éxtasis psicodélico, complejidad musical y cúmulo de atmosferas y desarrollos.
No les olvidarían en albumes posteriores, atreviéndose con The Nile Song en su disco The Outer Limits.

Nothingface comienza con The Unknow Knows, un blues psincopado, con una base de bajo ; rock progresivo insolente, con un toque ácido en la voz de Denis Belanger. Hacía el final de la canción el bajo persiste destacando en una melodía que atraviesa nuestro cerebro, instando a nuestra inteligencia, que se regocija en su tonalidad.
La canción que da título al disco nos muestra a una banda libre de prejuicios , unas letras cargadas de mensajes de caos y paranoya, técnica de frases cortas. A tenor de cómo suenan nos hacemos una idea de que encontrándonos aún en los 80, estamos inmersos en plena epopeya lírica. Las guitarras de Piggy redoblan con su estilo típico, los cambios de tiempo, los contratiempos, persisten a lo largo del tema. Nos envuelve una zozobra de mentalidad contemporánea.

Últimamente procuramos aprender cada día algo nuevo con nuestro instrumento. La guitarra eléctrica tiene una particularidad, si quieres llegar a progresar en tu técnica debes tocar todos los días, o al menos intentarlo. Mucho mejor tocar con algún conocido, el hecho de relacionarte con otros aficionados a la eléctrica te ayuda a descubrir cosas nuevas, y ayuda a tu desarrollo con el instrumento. Como todo en la vida, tocar la guitarra puede llegar a ser lo más importante o por contra solo una afición más, aunque también hay quien tiene más facilidad para el aprendizaje, y a poco que lo intente los resultados saltan a la vista. Y es que siempre hay quien nace con un don innato para tocar , aunque a fuerza de intentarlo cualquiera puede lograr buenos resultados.

Hola amigos, la empresa Yalamazoo cuyos diseños son obra del amigo Tokofatal de los foros de Guitarramania.com, nos ofrece unos regalos estupendos en camisetas para lucir este caluroso verano De entrada Yalamazoo nos regala tres camisetas que serán destinadas a los tres ganadores de nuestro concurso anual de fotografía que en esta ocasión se llama: Ya hace calor en Guitarramania.com. A tenor de las intensas lluvias primaverales, hemos decidido postponer dicho concurso hasta que se despejaran los cielos ibéricos. Para acceder a las bases, solo hay que pinchar en el enlace que he puesto más arriba.

para ir a ver los diseños de Yalamazoo pinchad en la palabra o en la foto de la camiseta.

El caso es que para los interesados, Yalamazoo nos ofrece un par de premios más:

Desde que mi querido hermano esta viviendo en Japon, siento una atraccion por este país, por su cultura, y por su sociedad tan grandiosa. No he podido evitar fijarme, y rebuscar un poco en el fondo del foro, no se si animado por los sentimientos que me unen con mi hermano, para descubrir esta apasionante luna de miel de nuestro querido compañero Freebird, que como buen amante de la cultura japonesa que es, y de su pasion por la musica y sus instrumentos, nos relata su viaje con todo lujo de detalles y con unas fotos ESPECTACULARES.

Tradicion y modernidad en un solo topic. Una autentica joya que da gusto leer y degustar cada palabra.

Hoy en día, escasea el trabajo de los músicos profesionales, y la mayoría de quienes pretenden vivir tocando, deben pasar por el aro de convertirse en meros mercenarios forzados a enrolarse en giras de cantantes o grupos potenciados por la industria.

Esa especie de maldición que aqueja a los buenos interpretes se acepta como un mal menor, ya que es la única forma de supervivencia que les queda. Nos podemos preguntar: ¿Ha sido siempre así? No ciertamente, es así ahora por razones de la evolución de un mercado convenientemente amañado para que algunos puedan vivir de rentas.

Hasta mediados y finales del siglo XX, la música en directo acampaba a sus anchas por doquier. Allá por los años 30 y 40, las emisoras de radio emitían constantemente conciertos en directo, incluso los anuncios se tocaban en directo. No hay más que ver una preciosa película del controvertido Woody Allen llamada Días de Radio en la que se muestra la fuerte conexión que generaba la radio con el mundo real de las familias americanas, entre tanto, en Europa las cosas transcurrían por los mismos derroteros.

Aunque jamás en la vida ha sido tan sencillo crear música y difundirla, no deja de ser paradójico que, actualmente, tanto la música en directo como la enlatada atraviesen lo que se considerada una grave crisis; Esa crisis va mucho más allá de los meros análisis simplistas que ofrece la prensa en general. A la pérdida de interés hacia lo "culto" por parte  de la mayoría de oyentes actualmente mediatizados y convertidos en meros consumidores de los productos recomendados por emisoras de radio y TV, se ha unido el interesado proteccionismo de las entidades gestoras de derechos de autor que cierran filas para favorecer una vez más, e injustamente, a los más poderosos..

En el novedoso contexto del siglo XXI, supuestamente el más propenso a la expansión cultural, la realidad nos dice que prácticamente, solo se vende la música comercial de usar y tirar que se embute con calzador en los oídos de casi todo el mundo, mientras que, a la par, se ignora en radio y TV todo lo que no entra en la cadena de ventas de las grandes empresas discográficas. Ante ese panorama, es evidente que cada vez resulta más difícil difundir ideas y productos nuevos de calidad, ya que todo lo que se crea en ámbitos no estamentales o “outsiders” solo es visto y oído por reducidas minorías.

Si tratáramos de explicar qué se siente al escuchar música tendríamos que preguntarnos primeramente si nos gusta el tema en cuestión. Si tratamos de mencionar algún estilo en concreto , de repente todo se muestra más complicado, y es que el subestimado poder de las etiquetas aflora de manera cada vez más pertinaz hasta creerse con derecho a influir en nuestras preferencias, como si estuviéramos hablando de cualquier cosa.
El hecho de que la música pueda ser capaz de transmitir un estado de felicidad hace que en un primer término nos fijemos primeramente en nuestra música preferida, sin saber que quizás detrás de otros estilos se puede encontrar la llave para alcanzar un nuevo estado mental (hablando en términos musicales, sentirnos preparados para crear nuestra propia felicidad). Y es que la felicidad al fin y al cabo no es un término absoluto, y en la música como en casi todas las cosas en la vida, además de existir la perfección (que tan a menudo asociamos a la belleza) tambien existe lo imperfecto, y no por ello ha de ser menos "arte" y pensar que no pasa nada por perdérselo no debe convertirse en una costumbre.

Para muchas personas, el hecho de adquirir un amplificador valvular representa un importante desembolso y un paso cualitativo en la implementación de su equipo. Muchos de los que adquieren semejantes artilugios suelen desconocer las razones de su alto coste, y por regla general atribuyen el sobre-precio al hecho de estar pagando un producto exclusivo y por consiguiente, reservado a los más pudientes.

Nada más lejos de la verdad. Dentro de los amplificadores Valvulares existen múltiples razones que incrementan su precio, aunque no en todos los modelos y tampoco en todos los tipos de valvulares.

Básicamente existen dos distinciones que entendemos normales: Por un lado aceptaremos el hecho que sea más caro por ser un amplificador exclusivo de boutique, y por otro lado, también se pagará el cableado punto a punto, que por definición requiere la intervención manual de un técnico. Sobre eso existe cierto halo de misticismo, pues no siempre un cableado basado en un circuito impreso es peor que el punto a punto. No hay razón técnica que justifique que un punto a punto sea mejor. Solo es un proceso manual, si hilamos fino, la comparación podría hacerse con el cuerpo de una guitarra cortado a mano por un Luthier comparada con un cuerpo cortado por una máquina de control numérico. Casi seguro que todos preferiríamos la cortada por la máquina CNC, pues lo que marca la calidad no es el corte manual, sino la madera empleada y su tratamiento.

Aparecen en las carátulas de las bandas más consagradas, de forma que captan nuestra atención como si se tratara de un símbolo de identidad , que imprime carácter al concepto de marca en un producto terminado, y no se dan exclusivamente en la música. Las grandes marcas fueron las principales precursoras de una moda o una forma de entender la importancia de la imagen en un mercado en concreto, el de consumo, que se abastece también de productos musicales que abarcan un número ilimitado de posibilidades de explotación en lo que a darse a conocer se refiere. Hablamos de los logotipos, esas siglas de identidad, perpetuas máscaras superficiales, que nos dan un primer plano en la medida en que un nombre comercial puede ser síntoma de algún resultado en especial. Sin embargo, la experiencia nos demuestra que eso queda muy lejos de la realidad: los logos son creaciones que perduran en el tiempo, adoptando formas inusitadas en ocasiones, y que pasan por un proceso, el del "marketing", para obtener resultados inmediatos en el que los percibe. En este caso el sentido auditivo queda en segundo plano, todo lo que entra por los ojos vale.